ARTE POST MODERNISMO: EL TATUAJE

El arte de tatuar se remonta en el tiempo más lejos de lo que la mayoría de la gente piensa. Los egipcios ya conocían y practicaban la técnica del tatuaje hace 3000 años. Se sabe que ya que desde la XI dinastía egipcia se practicaba el arte del tatuaje. Uno de las más famosas momias tatuadas Amunet, una sacerdotisa de la diosa Hathor, en Tebas.

Esto explica la natural asociación que ha prevalecido hasta nuestros días entre los tatuajes y los marineros. A modo de anécdota contaremos que Don Juan de Borbón (Padre del actual Rey de España) llevaba su antebrazo derecho tatuado, un recuerdo de su estancia en la marina Inglesa. Y que miembros de la realeza británica volvieron tatuados de sus expediciones por los Mares del Sur.

La asociación entre tatuajes y delincuencia provinó también de aquí, los marineros, gente que menudo se embarcaba durante largos períodos de tiempo para evitar a la justicia, fue fomentando esta asociación.

Augusto Fernandez, un hombre de 27 años de edad.

Posee dos tatuajes en su cuerpo el cual se los hizo hace 5 años, uno de los tatuajes lo porta en la parte del cuello, que es en apellido de su familia, el cual dice que se lo hizo cuando se fue a los estados unidos y fue como para recordar a su familia.

                                                      

El otro tatuaje lo posee en la parte de la mano, donde son unas iniciales las cuales significa dinero para el, ya que en algún tiempo el gano dinero y así como lo gano también lo perdió, entonces eso es algo triste para su vida y le recuerda el sufrimiento para el y su familia.

Le pregunte si ha vivido alguna discriminación ya que este tipo de arte no es muy bien vista en nuestro país des culturizado, el me comento que si, en muchos cosas lo que le pasa es que la gente le muestra un rechazo de miedo cuando lo ven tatuado y es porque piensa que los que andamos así pertenecemos alguna mara o somos ladrones de personas malas no los bajan.

¿Piensa en tatuarse en otra ocasión? Si la verdad si, me tatuaría el nombre de mi madre en el pecho y un motor de carro que son mi pasión la parte donde me lo aria si no se todavía, pero lo volvería a tatuarme.  

  

LA INFLUENCIA DE PABLO PICASSO Y EL CUBISMO EN FERNANDO LLORT.

Pablo Picasso

Entre las numerosas etapas de la pintura de Pablo Picasso encontramos la época azul (1900-1904), la época rosa (1905-1906) y el cubismo, un periodo que arranca en el año 1907 y finaliza en el año 1914.

El nacimiento del cubismo está profundamente marcado por el primitivismo. La influencia de las culturas primitivas quedaba reflejada en la pintura del artista malagueño al hacer uso de aquella simplicidad compositiva, del esquematismo, de las angulosidades y de los colores primarios. Ya mencionamos cómo la obra Las Señoritas de Avignon marca los orígenes del cubismo.

Junto a Georges Braque, Picasso propuso en sus obras la fragmentación del espacio, es decir la descomposición en planos de su pintura; la representación en un mismo plano de imágenes de diferentes tiempos, es decir, la simultaneidad y la fusión de imágenes.

Entre las fases del cubismo encontramos: el cubismo analítico, de 1909 a 1910, fase que se caracteriza por el uso de una multiplicidad de planos que se cruzan entre ellos y el uso de la monocromía; el cubismo hermético, de 1910 a 1912, en el que se van abandonando los planos y solo se visualizan las líneas; y el cubismo sintético, de 1912 a 1914, donde aparece una suave policromía, una síntesis de los planos e introducción de palabras, letras y texturas dentro de la composición.

Fernando Llort nació el 7 de abril de 1949 en San Salvador. Hijo de Bañtazar Llort, oriundo de España y Victoria Choussy, de origen francés. Actualmente reside en el bello pueblo de La Palma, Chalatenango, gracias al impulso y esfuerzo de Llort, Alfredo Linares, y otros artistas residentes, esta ciudad se ha convertido en la meca de la artesanía salvadoreña. Fernando Llort ha creado un estilo propio lleno de colorido con un menjurje de aves y figuras polimorfas, con un trasfondo de lomas, árboles y casas blancas con tejado rojo. Algunos de sus trabajos lo comparan los críticos con el surrealismo.

Fernando Llort no hizo siempre pintura, también hizo trabajos de pop art. En una entrevista manifestó que la guerra civil le inspiró a cambiar la temática de sus pinturas. Estudió Filosofía en Tolouse, Francia, Teología en Bélgica y arte en Baton Rouge, Luisiana... Posee una galería en San Salvador "El Árbol de Dios" el cual visité hace unos años y compré postales con sus dibujos que hoy muestro algunos en esta página.

"Fragmento de Mi País, El Salvador", fragmento del 2000 en su estilo colorido, con sus figuras que para mí semejan las del período surrealista de Picasso, a este estilo de Llort le llaman “naif”, pero los pájaros, casas, iglesia, lomas, paisajes, y los perfiles amestizados, es un enfoque característico que distingue a Llort de otros artistas nuestros... Los conocedores del arte dicen que los trabajos de Llort semejan los de Joan Miró y Pablo Picasso.

La obra arriba presentada se llama "Entre Dos Vuelos", finalizado en 2002. Este un cuadro, al mero estilo de Fernando Llort. Tienen temática semejante que el artista creó en azulejos y que adornaron hasta 2012 la catedral de San Salvador, pero que fueron destruídos por orden del Arzobispo Opus Dei Escobar Alas... con la excusa que tenía símbolos masones.

EL NEO ROMANTICISMO ES BUENO O MALO.

Neo romanticismo, se dio durante la restauración borbónica en España, los decenios finales del siglo XIX.

Se cultiva esencialmente el melodrama; un melodrama de cosntubres contemporáneas con ilustres antecedentes en otras épocas pero ahora con el rasgo especifico de poseer un fin ejemplarizante a través de una exposición de lo negativo. El neo romanticismo agrega sentimientos y la observación interna.

El Neo romanticismo trató de actualizar los postulados románticos adaptándolos a la sociedad burguesa y combinando dos elementos incompatibles: el Romanticismo exagerado y el Positivismo y Realismo latentes en su tiempo, con lo que dio a luz un teatro de costumbres contemporáneas moralizante que usaba procedimientos románticos y abusaba de las situaciones trágicas y patéticas; cada una de las obras plantea un caso de conciencia, un problema ideológico o un conflicto entre deberes. También el neo romanticismo en la literatura más importante de la época de la restauración borbónica Española.
 
Características de, los neo-romanticismo incluyen la expresión de emociones fuertes como el terror, temor, terror y amor. El movimiento buscó revivir el romanticismo y el medievalismo, promoviendo el poder de la imaginación, lo exótico y lo desconocido. Otras características incluyen la promoción de experiencias sobrenaturales, el uso y el interés en los arquetipos de Jung y el ilusionismo semi-mística del hogar y de la nación.
 
Las emociones humanas son tan importantes como lo sobrenatural. Neo-romanticismo buscaba promover las ideas como el amor perfecto, la belleza de la juventud, los héroes y las muertes románticas. Estos incluyen las tradiciones románticas de Lord Byron.
 
En términos de estilo, pinturas tienden a virar hacia el histórico y el natural. Hubo un movimiento consciente e intelectual fuera de la maquinaria feo de la revolución industrial y hacia la belleza simplificada de una época pasada. La mayor parte de esto fue la nostalgia mezclada con fantasía, ideas del pasado despojado de sus sombrías realidades.
 
Neo-romanticismo continuó en los siglos 20 y 21 en la pintura. Ellos tal vez llegaron a su cúspide después del 1 de Guerra Mundial y de nuevo después de la 2ª Guerra Mundial, cuando se utilizó el estilo para representar las experiencias sombríos de la guerra. Estas pinturas incluyen "La comunicación del odio" de Keith Vaughn y John Caxton del "soñador en el paisaje." Otros renombrados pintores neo-románticos incluyen Paul Nash, Graham Sutherland y Eugene Berman.
 
Escritores y poetas de Lewis Carroll a Alan Ginsberg se han llamado neo-románticos. Otros escritores incluyen JRR Tolkien y Dylan Thomas. Tolkien, por su parte, fue influenciado por los paisajes de la aldea de Sarehole en comparación con estragos de la revolución industrial de cerca de Birmingham. Esta yuxtaposición gran influencia en su escritura y el "Señor de los Anillos" contiene una serie de características neo-romántico incluyendo comparar el amor por la naturaleza se ve en los Hobbits y Rohan contra la industrialización impuesta por Saruman. El término neo-romanticismo también se ha utilizado en la música. Comenzó antes de lo que en la literatura y en general se acepta como cubriendo un estilo de música a partir de 1950. Richard Wagner utilizó por primera vez el término para denunciar versiones pobres de la música romántica que se realizan en Francia, pero en un giro irónico, entonces se utiliza el término para categorizar sus propias creaciones musicales.

 

COMPARACION DE LA RUTA GAUDI DE BARCELONA CON LA IGLESIA EL ROSARIO DE SAN SALVADOR.

 

La Barcelona de finales del siglo XIX, la de la Exposición Universal de 1888, era una ciudad en efervescencia en la que la arquitectura vivía un momento notable. La arquitectura se convirtió en aquellos años en un signo de estatus social de la próspera burguesía de la época. Tener una casa modernista significaba figurar, estar al día en los círculos sociales. Para colmar las expectativas y vanidades de sus clientes, los arquitectos utilizaron en su obra todo su repertorio de recursos: ornamentos florales, riqueza escultórica y trabajo del hierro forjado, formas onduladas, vidrieras policromas, esgrafiados, detalles cerámicos, etc. A menudo las grandes ciudades pueden asociarse con edificios y monumentos que se convierten en sus emblemas universales. Éste, sin embargo, no es el caso de Barcelona.

 

La personalidad arquitectónica de esta ciudad se caracteriza más por su paisaje urbano que por grandes singularidades. Uno de los lugares en los que este paisaje urbano es más excepcional es el Eixample, una zona en la que durante los años anteriores y posteriores a 1900 se produjo un fenómeno arquitectónico extraordinario: el Modernismo, la particular versión local del Art Nouveau, corriente de gran explosión creadora que también dejó su huella en la arquitectura de otras ciudades europeas como Viena, Munich, Nancy, Bruselas, Glasgow o Berlín. Un fenómeno, en definitiva, que podemos descubrir paseando de la mano de esta guía. En este lugar se puede considerar que tuvo su primera gran expresión arquitectónica el movimiento modernista.

Con todo, la construcción de los pabellones y las infraestructuras se llevó a cabo en muy poco tiempo y con un alto grado de improvisación. Fue necesario el concierto de arquitectos consolidados, como Josep Fontserè, con jóvenes titulados, como Lluís Domènech i Montaner, que demostró sus impresionantes dotes de dirección y coordinación especialmente en el desaparecido Gran Hotel Internacional, un edificio que albergaba a quinientos huéspedes, que el equipo de Domènech construyó en menos de sesenta días.

 

 

La iglesia el rosario se ha convertido en un lugar de referencia entre el glorioso pasado salvadoreño y el modernismo.

Es uno de los templos de menos antigüedad en el centro histórico, se remonta a los años en que el padre de la democracia salvadoreña, José Matías Delgado, lo que motiva a su construcción fue para sustituir a la iglesia de madera y lamina construida después de los terremotos de 1873, y la orden de santo domingo de guzmán para la construcción de sus respectivas iglesias, es decir la segunda catedral de san salvador en el predio norte de la actual plaza Gerardo Barrios y la iglesia del rosario al de la actual plaza libertad.

En el parque dueñas (hoy plaza libertad), toma de la fiesta general con la que, el 5 de noviembre de 1911, se inauguró el monumento conmemorativo al centenario del primer grito de independencia centroamericana. Los trabajos de construcción de la iglesia el rosario comenzaron en 1964 y se finalizó en junio de 1971, un año más tarde según el decreto N* 38 de la asamblea legislativa del el salvador de fecha 13 de julio de 1972 fue declarada lugar histórico, de esta manera la iglesia más tomada después de la catedral, está la iglesia el rosario.

Edificación que mide 24 metros de ancho y 80 de largo, cuya forma volumétrica es oval, con 22 metros de altura. Posee un diseño moderno con influencias europeas, único en la región. La cubierta del edificio, con forma de parábolas, está formada por escalones, los cuales están compuestos por la parte vertical hecha de rectángulos con vitrales, enmarcados con concreto y la parte horizontal del escalonamiento es solo de concreto. Hacia ambos lados.

 

 

COMPARACION DEL CUADRO LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO CON EL BILLETE DE CINCO COLONES SALVADOREÑO.

 El 28 de julio de 1830 los revolucionarios liberales francesas derrocaban al rey Carlos X y provocaban la coronación de Luis Felipe de Orleans, el llamado rey burgués, este es el cuadro más famosos de Delacroix, la libertad guiando al pueblo. Esta obra esta con cierta dosis de alegoría que recoge un hecho contemperando. La mujer que representa a la Libertad aparece con el torso desnudo, porta en su mano derecha la bandera tricolor y en la izquierda un rifle.

 

Le acompañan miembros de las diferentes clases sociales - un obrero con una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un adolescente con dos pistolas, etc. Para manifestar que en el proceso revolucionario ha existido amplia participación. A los pies de la Libertad, un moribundo la mira fijamente para señalar que ha merecido la pena luchar. Con esta obra, Delacroix pone de manifiesto su ideología y su faceta de pintor de su tiempo.

 

La composición se inscribe en una pirámide cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la tiranía, cadáveres iluminados para acentuar su importancia. La vorágine de la batalla se manifiesta en la polvareda que difumina los contornos e impide contemplar con claridad el grupo de figuras que se sitúa tras la Libertad. Los escorzos y el movimiento de la imagen vuelven a recordar el Barroco, igual que en la Matanza de Quíos o la Muerte de Sardanápalo. Fue presentado al Salón de 1831 y adquirido por Luis Felipe para el Museo Real.

               

A finales del siglo antepasado se introdujo un cambio muy novedoso en el sistema monetario salvadoreño; aparecen los primeros billetes de banco. El nombre de billetes de banco se debía a que la emisión estaba a cargo de bancos particulares autorizados por el Gobierno. Los primeros billetes en El Salvador fueron emitidos por el Banco Internacional, fundado en 1880.

Posteriormente se establecieron otros dos bancos de emisión: el Banco Occidental y el Banco Agrícola Comercial de esa época. A finales del siglo antepasado hay que mencionar dos hechos muy importantes: el primero, fue la inauguración de la Casa de la Moneda, el 28 de agosto de 1892 durante la Presidencia del General Carlos Ezeta. El segundo hecho importante fue el 1 de octubre de 1892, cuando, como un homenaje a Cristóbal Colón en el IV Centenario del descubrimiento de América, el Poder Legislativo reformó la Ley Monetaria de 1883, cambiándole nombre a nuestra unidad monetaria, de Peso a Colón. Se decretó que su valor con respecto al Dólar.

 

Así en agosto de 1934, introduce la primera familia de billetes, en las denominaciones de uno, cinco, diez, veinticinco y cien colones, incorporándose a estos el de dos colones en 1955, y el de cincuenta colones en 1979.

 

En 1997, el Banco Central de Reserva pone en circulación una nueva familia de billetes, adoptándolo a las tecnologías de la época, variando completamente el diseño, en las denominaciones de cinco, diez, veinticinco, cincuenta, cien y doscientos colones.

                  

EL GRECO Y EL BOTERO: DIFERRENCIAS

El Greco realizará en Venecia un trabajo de asimilación de la pintura renacentista, como se observa en sus obras.

En las tertulias que tenía Fulvio Orsini en el Palacio Farnesio acudían eruditos de diversas nacionalidades, entre los que destacaba el español Don Luis de Castilla, joven clérigo e hijo del deán de la catedral de Toledo, cuya estancia en Roma está documentada entre 1571 y 1575, convirtiéndose en amigo y defensor del artista durante toda su vida, hasta el punto que participó como albacea en su testamento. Hacia 1575 Doménikos empezaría a considerar su marcha a España; en primer lugar, por las posibilidades existentes para trabajar debido a la construcción delMonasterio de El Escorial, en cuya decoración estaban participando pintores romanos como Tibaldi o Zuccaro.

su próximo destino es la Península Ibérica, adonde llegaría en 1577 pasando una temporada por la Corte madrileña para después trasladarse a Toledo, donde recibirá sus dos primeros encargos: el Expolio de Cristo y los retablos del convento de Santo Domingo el Antiguo, siendo el cliente en ambos casos la misma persona: don Diego de Castilla, el deán de la catedral toledana y padre de don Luis. Los documentos relacionados con ambos encargos indican que El Greco estaba en Toledo de paso, teniendo en mente intentar triunfar de nuevo en Madrid. Ésta sería la razón por la que realiza una serie de obras para el rey Felipe II: la Alegoría de la Liga Santa y el Martirio de San Mauricio.

Fernando Botero  

   

Pintor, dibujante y escultor colombiano, en el que la monumentalidad, el humor, la ironía y la ingenuidad se combinan con un admirable dominio del oficio y gran talento. Nacido en Medellín en 1932, inicia su actividad artística en 1948 como ilustrador del periódico El Colombiano, al tiempo que participa en su primera exposición conjunta Exposición de Pintores Antioqueños, Medellín 1948. Tres años más tarde se traslada a Bogotá y celebra su primera exposición individual.

En 1952 viaja a España y sigue estudios en la Academia de San Fernando de Madrid, al tiempo que asiste al Museo del Prado donde estudia y copia la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya. Entre 1953 y 1955 viaja a Francia, Italia y estudia en Florencia pintura al fresco, tras su regreso en 1955, permanece un año en Bogotá (donde su obra no tuvo buena acogida), otro año en México (conoce a Rufino Tamayo y José Luis Cuevas) y en 1957 visita Estados Unidos. Allí celebra su primera exposición individual en la Pan-American Union de Washington. A los 26 años es nombrado profesor de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá, en 1960 se instala en Nueva York y en 1973 fija su residencia definitivamente en París. En principio sus obras revelan cierta admiración por el muralismo mexicano y la pintura del renacimiento italiano (Partida, 1954), pero más tarde estas influencias van desapareciendo en favor de un personalísimo estilo, en el que las figuras engordan y se deforman hasta cubrir en buena parte el lienzo, los cuadros de esos años denotan la influencia del surrealismo.

La historia del arte (Autorretrato con Luis XIV visto por Rigaud, 1973), la vida burguesa (Escena familiar, 1969), la cultura colombiana (Baile en Colombia, 1980) y los personajes históricos (Luis XIV y María Antonieta en visita a Medellín, Colombia, 1990) constituyen a lo largo de su carrera las principales fuentes de inspiración, de una dilatada y variada producción en la que abundan paisajes, retratos y escenas costumbristas. Sus primeras pinturas muestran una pincelada suelta y concreta, pero poco a poco ésta se empasta, al tiempo que las perspectivas y las figuras se hacen arbitrarias en función de la importancia que tengan en la representación. Óleo, acuarela, pastel, sanguina o lápiz son manejados con gran destreza a lo largo de su obra.

LEONARDO DA VINCI Y EL BOSCO: SIMILIDES Y DIFERENCIAS

Fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vezpintor, anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta yurbanista. Nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas.

Descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido. Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.

Esta Virgen con el Niño y flores, conocida como Madona Benois, es un cuadro del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Está realizado al óleo sobre tabla transportado a tela. Mide 48 cm. de alto y 31 cm. de ancho. Pertenece al periodo 1478-82. Se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo en Rusia. 

Este Retrato de mujer, llamado de Ginebra de Benci es un cuadro atribuido a Leonardo Da Vinci, datado hacia 1474-76. Está realizado al temple y óleo sobre tabla (madera de álamo). Mide 38,8 cm. de alto y 36,7 cm. de ancho. Fue adquirido por la National Gallery of Art de Washington en 1967 por 5 millones de dólares pagados a la Casa Real de Liechtenstein, un precio récord para ese tiempo. 

 

Otras de sus pinturas fueron

La Virgen del clavel es el título de una obra del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci realizada hacia 1470. Se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich. Se trata de una pintura al óleo sobre tabla que mide 62 cm de alto y 47,5 cm de ancho. 

La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla. La versión del Museo del Louvre fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la que se conserva en Londres aún permanece sobre tabla. 

EL BOSCO

Jheronimus Bosch, llamado Jeroen van Aeken o Van Aken y conocido como El Bosco o Hieronymus Bosch (Bolduque, h. 1450 - enterrado en Bolduque, 9 de agosto de 1516), fue un pintor neerlandés.

Sus cuadros están protagonizados por la Humanidad que incurre en el pecado y es condenada al infierno. La única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos que, dedicados a la meditación, deben ser modelo de imitación, aunque estén rodeados por el mal. Ejemplo de ello son las tablas con la Pasión de Cristo a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar del pecado universal al género humano. Su estilo cambia en los últimos años de su actividad, pintando cuadros con un menor número de figuras, pero de mayor tamaño, que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador.

El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos. El rey Felipe II de España compró muchas de sus obras después de la muerte del pintor. Como resultado, el Museo del Prado de Madrid posee hoy en día varias de sus obras más famosas.

 

La Creación 
Los batientes del tríptico cerrados nos muestran, pintados en grisalla, un momento de la creación del mundo, representado por una esfera de cristal.
En la parte superior aparece el Creador y una cita bíblica, extraída de los Salmos:" El lo dijo y fue hecho todo. El lo ordenó y todo fue creado".

En la parte izquierda representa la Creador.
La escena parece corresponder al tercer día de la creación, durante el cual -según los apócrifos- Dios creó el Paraíso, lo que establece una estrecha relación con el contenido de las tablas abiertas. 

En este panel nos muestra una escena del Paraíso en la que Dios entrega Eva a Adán como mujer. Es el origen del pecado de la lujuria que se desencadena en la tabla central. El Bosco reproduce la mentalidad medieval: "la culpa de Eva" en el inicio de los males de la Humanidad.
En la parte superior están representadas la Fuente de la Vida, el Árbol del Bien y del Mal (con la serpiente) y el Árbol de la Vida (un drago canario).   

 

La sexualidad


En el panel central El Bosco refleja los pecados a los que se abandona la humanidad tras la caída del pecado original, poniendo el énfasis en el pecado de la lujuria. 
En este panel manifiesta de forma rotunda todo tipo de relaciones sexuales. Abundan las parejas heterosexuales en actitudes de claro contenido erótico, pero están también presentes con meridiana claridad alusiones a la homosexualidad (hombre agachado al que otro le inserta una flor en el ano), al adulterio (el marido engañado que lleva a sus espaldas a los amantes encerrados en un mejillón) y al onanismo.

La fuente del paraíso 

La parte superior del panel central aparece organizada en torno a la Fuente de los Cuatro Ríos del Paraíso Terrenal. A cada río le corresponde una construcción, una puerta de salida. Esta es una falsa fuente del paraíso, inestable, irregular, amenazando ruina con sus paredes cuarteadas. 
En su interior una pareja se manosea y otro enseña el trasero. 

En sus dibujos se da la misma vivacidad de anotación que muestran sus pinturas y dejan traslucir aún más su agudo sentido de la observación de la naturaleza.

Su fantasía burlesca sedujo a muchos aficionados, sobre todo en España, donde fue objeto de gran aprecio. Felipe de Guevara y el padre Sigüenza escribieron los primeros comentarios críticos que se conocen sobre el Bosco, y Felipe II reunió un crecido número de obras de este pintor, lo que explica la relativa abundancia actual de pinturas de este maestro en España.